I Have A Feeling For You

I Have A Feeling For You

„We are the fingertips of the force that drives the stars, so do your job and feel

  -Tanya Tagaq, „Split Tooth“ 

„Dont’t think, feel!“


15.-18. Juni 2022

Eröffnung am 15. Juni 2022 | 18 Uhr
Arbeiten von
Laurens Seeman, Julian Kadrnoschka, Emma Peinhopf, Bo Yeong Yun, Karina Kwapil, Liam Che Gräfling, Emma Egger 

The world might seem like a strange place at times, especially nowadays. Global challenges like a pandemic, wars and the climate crisis leave us in despair. In moments like this it seemed right to focus on something universal that would be able to touch everyone in some way: the ability to feel. Anger, frustration, euphoria, sadness, indifference, concern, fear, excitement, wonder, love. The exhibition is the result of seven students of the University of Applied Arts in Vienna using their tools to express feelings they have within themselves. They have a feeling for you, so take it.

While coming from he department of Graphics and Printmaking, the first year class does not remain inside the boundaries of a single discipline. The emotions that fascinate and dominate them are expressed in a range of artistic mediums such as drawing, printmaking, sculpture, photography and language art. The result is a room packed with emotions that hopefully remind us of the overarching links between humans and the potential of sharing how we perceive the world.

Laurens Seeman let’s you flip through his feelings quite literally with his multifaceted artist’s book Unfassbar Laut. It contains texts by the artist, accompanied by an arrangement of several etchings. More than that, he also exhibits prints to accompany the overflowing feeling that is on his mind: vulnerability. Not to feel but to exhibit one’s feelings and let other people peek inside you is an act of vulnerability and strength. Power and powerlessness, being overwhelmed by everything around him is the emotion expressed in Unfassbar Laut. The arrangement of etchings aims to appear just like the chaos inside. A lot is happening, the viewer might be unable to decide where to look first. Laurens also expresses his concern about feelings like self-doubt, not only in an artistic aspect. He speaks up about being prone to paralyzing emotions.The combinations of prints and texts show how he deals with everything all at once and touch some of the darkest yet softest parts in us. They let you look inside him and take you by the hand like a friend at the same time.

Julian Kadrnoschka presents a delicate and overflowing stream of consciousness. His drawings were produced over months, bit by bit in the moments in-between, the moments spent waiting. He was sketching while the everyday was happening and the wheels were turning. The result is a tapestry of scenes and images, each of them existing for themselves, though also connected through coincidence. The folded Japanese paper, chosen as material, is as see-through and airy as the notions that rush through our heads on a daily basis. The reality we move in naturally influences our thoughts and imagination. Influences that Julian seeks to translate and to make a visible part of the material world.

Emma Peinhopf puts feelings into space. Before her studies at the University of Applied Arts she had already been experimenting with the medium of ceramics and the potential of objects to trigger a feeling in us. She introduces us to her individual language of color and narrative in the shown arrangement of sculptures.

“Something about the way you taste makes me wanna clear my throat” DEVO sang in their 1978 song Gut Feeling. Emma shows us how the theme of gut feelings is more relevant than one might think. It makes you wonder about the immense capacity of our bodies to put emotions into biological processes and raises the question: “How much of my feelings are born out of my mind, and what is constructed by my organism?”. The outcome is walking, shimmery and dynamic twisted organs who wander on the border between Emma’s colorful signature style and an underlying creepiness.

Bo Yeong Yun wanders trough the world with a feeling of wonder. She is distinctly fascinated by  special encounters we have everyday, but might not realize actively. These encounters could be with other people, with plants, with the moon, the clouds in the sky or with ourselves in the mirror. The moment of perception that the other is alive, she herself is alive and the moment she is living through is alive as well. A feeling of wonder takes hold of Bo Yeong, an emotion that can not easily be described. Realizing that everyone around us has a life as complex and full to the rim with emotions as our own. Not just humans, but maybe also the Calathea Orbifolia in her room. It may happen just for the blink of a second or it may happen after time has accumulated. It may be transitory and it may be everlasting at the same time. She captures those moments of encounter with her paintings, etchings and lithographs. In each medium she keeps her unique liveliness of the line and creates playful yet elegant artworks that depict an almost obscure feeling of existentialism.

Karina Kwapil’s prints deal with the feelings that emerge out of introspection and observation. Emotions and their depiction have been an ever-present theme in her works. She expresses herself not only in painting and drawing but has become especially skillful in gravure and woodcut printing techniques, which she exhibits in order to show the feelings she has for you and the people in her life. All the aspects of being human and living in a society are wrapped into a symbolic language and message in her works. The protagonists do not convey an ideal but are rather to be seen as ironically exaggerated. This is a tool to serve the narrative and the sake of telling a story and capturing a moment. In the focus of this is also the presentation. Karina loves the big format, the large scale and the over-sized which serve to transport the message of her prints. Thats how she takes over a room and sucks you into a story that doesn’t really let you go. It all leads to what is her purpose: reflecting upon her role in society and how we interact with others.

Liam Che Gräfling’s large scale drawings made with ink and watercolor deal with his feelings of shame and concern about a fateful future. He expresses his frustration and fear when looking at how the earth which we are living on is constantly being polluted and violated. It’s an overwhelming feeling, as relevant to his as to all future generations, more than ever before. Liam’s works contain not only his love and concern for animals and nature. His detailed drawings seem disturbing and gloomy, as he wishes to wake us up from a society with a consumerist way of living. Thus depicting scenes that contain elements of wired bodies and ancient worlds merging into a fantastic dystopian cosmos. You can see both the connection between nature and human – and the presence of love. But also the absence of it and the many facets of violence in our past and future. In the end Liam wants us to start thinking about everything that needs to be done in order to save the planet, but which is continuously ignored.

Emma Egger might seem obsessed, but she is just in love. And very much so.

The emotion of romantic love has been depicted and discussed artistically in past centuries: in fine art, literature, film and music. Also in the context of cultural studies, sociology or psychology. Emma choses to ignore the existing state of the art with relentless determination. She lets herself be overwhelmed and guided by the feeling of being starstruck by a person. Her series of photographs, drawings and prints are accompanied by a collection of objects that document the first months of the relationship. The depictions of intimacy or observations of her partner are confessions made every day when she encounters the human that makes her feel those things. It is a collection of images and objects that metaphorically say: I love how your hands look when cooking pasta, the way you sit in chairs and how your face looks after waking up.

The shown work is not only a colorful love letter full of kitsch but an acknowledgement of her own emotions, which is sometimes scary to put into the world.

Text: Emma Egger


reconstruct, she said *

Michaela Schwentner

2. - 10. Juni 2022

Eröffnung am 2. Juni 2022 um 19 Uhr
Live Set Julia Purina am 7. Juni um 20 Uhr
kurz, improvisiert und unverstärkt!

Michaela Schwentner ist während der Öffnungszeiten anwesend!

fr 3.6. von 15-19h
sa 4.6. von 15-19 h
di, 7.6. von 15-22 h
mi, 8.6. von 15-18 h
do, 9.6. von 15-19 h
fr, 10.6. von 15-19 h
und ausserhalb der öffnungszeiten by appointment:
* eine Veranstaltung der Reihe XX Y X / Subdivision des Vereins liccht

Die Installation reconstruct, she said ist die Übersetzung einer filmischen Arbeit in eine räumliche Anlage. Der essayistische Dokumentarfilm re-GEO / rendering reconstructions of desire wird ausgefaltet und in einzelne Bestandteile zerlegt, um so eine andere Form der Erzählung zu ermöglichen.

re-GEO / rendering reconstructions of desire ist der Versuch, sich der ambivalenten Persönlichkeit der Germanistin und Holzbildhauerin Georgette Klein mit den Mitteln der (Re-)Konstruktion anzunähern. Wie weit konnte sich eine junge intelligente Frau in den Anfang 1910er/20er Jahren unabhängig bewegen und entwickeln? Welche (inneren) Widerstände galt es zu überwinden?

Der progressiven und während der Studienzeit sozialistisch informierten, in ihrem bürgerlichen Umfeld rasch nicht mehr heimischen Georgette Klein gelingt es erst sehr spät, sich mit dem Bau ihres Hauses von den Eltern zu emanzipieren.

In der Lebens- und Denkweise selbstbewusst und modern orientiert und doch nicht fähig, sich völlig von den etablierten gesellschaftlichen Strukturen zu lösen, “schneiderte” die promovierte Germanistin, nicht als Architektin, sondern als Frau, als Künstlerin ein Haus, in dem sich ihre konzeptuelle Vision manifestiert und das noch heute als architektonisches Juwel in der Landschaft des Tessin strahlt.

Und doch muss hier die Frage nach dem Narrativ gestellt werden: wer schreibt die Geschichte, und wie wird sie geschrieben? Weshalb sind weder Georgette Klein noch die Casa Sciaredo in den Kanon der modernen Architektur – zumindest in der Schweiz – aufgenommen? Ist das Haus kaum bekannt, weil es von einer Frau entworfen und gebaut wurde? Weil Georgette keine Architektin war, weil sie das damals noch gar nicht sein konnte?

Michaela Schwentner

Künstlerin, Filmemacherin, Kuratorin, Lektorin an der TU Wien und Labelbetreiberin (mosz records) Outstanding Artist Award (= Förderpreis für Filmkunst), 2007, Projekt- und Arbeitsstipendien der Stadt Wien und des Bundes, Residencies im In- und Ausland.

Internationale Ausstellungsbeteiligungen, Screenings, Performances, u.a. Centre Pompidou Paris, Manifesta 4, HKW Berlin, Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt, Edith-Russ-Haus für Medienkunst Oldenburg, ACF New York, Shedhalle Zürich, CCNOA Brüssel, Kiasma Helsinki, Museo Experimental El Eco Mexiko City, CCCB Barcelona, UCLA Los Angeles, Kunsthalle Exnergasse Wien, Kunsthalle Wien, Secession Wien, Künstlerhaus Wien, Grazer Kunstverein, Kunsthaus Graz, B3 Biennale des bewegten Bildes Frankfurt, Sundance Filmfestival, Kurzfilmtage Oberhausen, FIDMarseille, Diagonale Graz, Viennale, Int. Media Art Biennale Wroclaw, Transmediale Berlin, Moving Patterns ACF New York, Edinburgh Int. Filmfestival, London Int. Filmfestival, Wien modern, New York Underground Filmfestival, Independent Filmfestival Rotterdam, European Media Art Festival Osnabrück, Evolution Filmfestival Leeds, Cork Filmfest, Chicago Underground Filmfestival, Blickle Kino/Belvedere 21 Wien, Neue Galerie Innsbruck, Kunstraum Lakeside Klagenfurt

Lena Kuzmich


eine Videoinstallation von Lena Kuzmich

Vernissage: Montag, 25. April. 2022 um 19:00

Montag, 25. April. 2022 – Samstag, 30. April. 2022

Öffnungszeiten: Di-Fr: 15:00-20:00
Sa: 11:00-17:00
Lena Kuzmich ist anwesend während der Dauer der Ausstellung

CHIMERA untersucht queere Ökologie und nicht-binäres Leben in der Natur. Was definiert den Menschen als Spezies? Inwiefern etablieren Wissenssysteme Grenzen zwischen Lebensformen, die in Wirklichkeit verschwimmen? Wie können „wir“, in Symbiose mit Technologie, die Kategorie der Natur wiederbetreten?

Found footage, neu angeordnet als spielerische Welten, hinterfragt Entstehen und Präsentation von (wissenschaftlichem) Wissen, das Lebensformen auseinander nimmt und trennt; dabei queere Lebensformen als unnatürlich verdammt. Wie gelingt es uns, in
solchen Systemen der Entfremdung zu funktionieren, in denen alle Kultur quer zur Natur zu arbeiten scheint: Klimawandel, Genderbinarität, etc.?

* queer: Sammelbegriff für eine Vielzahl von Menschen mit unterschiedlichen sexuellen Orientierungen und Genderidentitäten die nicht der heteronormativen Norm entsprechen
* nicht-binär: ist eine Sammelbezeichnung für Genderidentitäten, die sich nicht ausschließlich als männlich oder weiblich identifizieren
* Genderbinarität: geht davon aus, dass es nur zwei Geschlechter, nämlich männlich und weiblich, gibt

Lena Kuzmich

(1998, Wien) ist multidisziplinäre Künstler*in mit einem Fokus auf Fotografie und Video und arbeitet aktuell in Amsterdam. In ihrem* Werk, einem fluiden Remix aus Fragmenten von Pop- und Subkultur, erträumt Lena Visionen einer alternativen Gesellschaft. Fiktive Landschaften, hybride Körperbilder und Technologie werden zum Portal jenseits der Norm und vorgefertigten Ideen über Identität.

Graphic Design von Winona Hudcová
Text mit Lennart Horst
Sound Design von Leonard Prochazka

Das Labor für künstlerischen Animationsfilm an der Akademie der bildenden Künste hat Lena "im Rahmen des Best Austrian Animation Festivals" in den sehsaal eingeladen.

reset – 25 Jahre kofomi

reset - 25 Jahre kofomi - Komponist*innenforum Mittersill

CD-Präsentation Werner Raditschnig 'marsyas'

und Konzert mit
Martin Daske, Andrea Fränzel, Michael Mautner, Maria Morschitzky, Barbara Maria Neu, Toshiko Oka, Werner Raditschnig, Katharina Reich, Wolfgang Seierl, Marlene Streeruwitz und Alfred Winter

am 25. Februar 2022 um 19 Uhr



Das Komponist*innenforum Mittersill, kurz kofomi, wurde 1996 als Plattform für Austausch und Kommunikation und als solche als lebendiges Denkmal für den 1945 in Mittersill unter tragischen Umständen ums Leben gekommenen Komponisten Anton Webern gegründet.

Werner Raditschnig war - gemeinsam mit René Prausmüller, Wilfried Satke und Thomas Herwig Schuler - Teilnehmer im ersten Forum.

Werner Raditschnig stellt nun - 25 Jahre später - mit der auf unserem Label ein klang_records erschienenen CD-Box „Marsyas" einen Überblick über sein Schaffen seit 2009 vor.

Im Konzert werden die Ergebnisse des letzten Forums im September 2021 zu hören sein. Von und mit Martin Daske, Andrea Fränzel, Michael Mautner, Maria Morschitzky, Barbara Maria Neu, Toshiko Oka, Katharina Reich, Marlene Streeruwitz und Alfred Winter

Wolfgang Seierl und Martin Daske


geb. 1948 in Villach, lebt in Salzburg

Komponist, sowie auch Ausführender in eigenen Musikprojekten und projektbezogene Zusammenarbeit mit anderen Spezialisten (Musik, Video, Theater, bildende Kunst).
Arbeitsbereich: Vorwiegend experimentelles Instrumentarium, Elektronik, skulpturale Musik, szenische Aufführungen und inszenierte Räume.

meerblau im abo verlag

David Steinbacher: meerblau

Buchpräsentation und artist talk
abo Verlag, Wien

29.10.2021 um 19 Uhr

Dieses Künstlerbuch ist blau. Blau wie das Meer, blau wie der Himmel, blau wie die Blaue Stunde. So wird die magische Zeitspanne kurz vor Sonnenaufgang und kurz nach Sonnenuntergang genannt, in der David Steinbachers Zyklus „Meerblau“ entstanden ist. Der Künstler hat dafür an verschiedenen Küsten Europas das Meer fotografiert; 20 davon sind in dem Buch enthalten. Alle Bilder wurden mit der immer gleichen Blende und einer Belichtungszeit von exakt 60 Sekunden aufgenommen.

In der auf 25 Stück limitierten Vorzugsedition liegt dem Buch der nummerierte Abzug eines weiteren Fotos aus dem Zyklus im Format 20 x 20 cm bei.

Hardcover, ca. 80 Seiten, Deutsch, mit 20 Farbfotos, 21 x 26 cm
Reisegedichte von Mathilde Egitz
Texte von Eva Maria Stadler, Andreas Wagner
Gestaltung: Annja Krautgasser
Wien, 2021
ISBN 978-3-9504385-4-3

Abo Verlag, Meerblau, Oktober 2021 im sehsaal
Abo Verlag, Meerblau, Oktober 2021 im sehsaal

von weither – Meine Geschichte


Eine Ausstellung von SOS-Kinderdorf mit Bildern & Texten von Aleksandra Pawloff über geflüchtete Kinder & Jugendliche

Etwa 42% der 82,4 Millionen Menschen, die sich auf der Flucht oder in flüchtlingsähnlichen Situationen befinden, sind jünger als 18 Jahre: Geflüchtete Kinder & Jugendliche, die ohne eine erwachsene Begleitperson aus ihrer Heimat fliehen. SOS-Kinderdorf betreut seit 15 Jahren geflüchtete Kinder & Jugendliche, bietet ihnen ein liebevolles Zuhause, begleitet sie in ein selbstbestimmtes Erwachsenenleben. Jedes dieser Kinder & Jugendlichen trägt einen Rucksack voller Geschichten mit sich herum.

Die Fotokünstlerin Aleksandra Pawloff portraitiert 15 Lebenswege von geflüchteten Kindern & Jugendlichen, die bei SOS-Kinderdorf "gelandet" sind, spricht mit ihnen über ihr Ankommen im hier und jetzt, über die zurückgelegten Wege und solche, die noch vor ihnen liegen. Neben den Fotoportraits entstehen Texte, die Einblick in die Geschichte der jungen Menschen geben. Überdies gibt es zusätzlich Kunstwerke der Burschen der WG Laxenburg zu sehen, die im Zuge der Pandemie über die Malerei ein neues Medium des individuellen Ausdrucks gefunden haben.

Freitag, 1. Oktober 2021, 18 Uhr

2.10. – 10.10.2021, jeweils 17 bis 19 Uhr

Eintritt frei

Es gilt die 3G Regel!
Wir bitten um Voranmeldung per mail an wien.west@sos-kinderdorf.at


Konzert LUNOVI


World Jazz vom Feinsten

Lunovi ist eine junge Jazz-Formation aus Österreich - ein Quartett, das die Grenzen zwischen Jazz, World Music und Soul Pop mit Unbefangenheit hinter sich lässt. Die Kompositionen von Lunovi berühren die Sinne mit ihren komplexen Rhythmen, irisierenden Harmonien und lebendigen Melodien, indem sie aus unterschiedlichsten Traditionen schöpfen: Es verbinden sich Einflüsse osteuropäischer und nahöstlicher Folklore mit jenen von Funk, Soul, Ethno Jazz oder auch südindischem Konnakol. Ihr Debütalbum wird voraussichtlich im November 2021 bei Preiser Records erscheinen.

Anna Dirnberger (Piano, vocals, percussion)
Tanja Süss (Cello, vocals)
Raphael Schwab (Kontrabass, vocals)
Johannes Bohun (drums, vocals)

Raumansicht mit hängenden Tüchern, Folien, Fotos und am Boden liegenden Flächen

Elena Kristofor / Laura Sperl


Laura Sperl, Elena Kristofor

"Es ist schon vorgekommen, dass Flugzeuge auf dem Rücken flogen, als sie wieder aus den Wolken hervorkamen" (Michel Serres, Die fünf Sinne) ist der erste Teil der Zusammenarbeit von Elena Kristofor und Laura Sperl. Das Ausstellungsprojekt dreht sich um die Verwirrung der Sinneswahrnehmung und das Austesten von Perspektiven.

Ausstellungseröffnung: 26. Juli 2021, 16-22h
26. -31. Juli 2021
Di, Do, Fr: 16-19h, Mi: 16-20 - artists are present

Finissage Samstag: 31. Juli 2021, 15-22h
performative Publikationspräsentation: 19.30h

in Kooperation mit Marschalek Art Management / Paula Marschalek

Gezeigt werden fotografische Arbeiten, die installativ in neue Kontexte gesetzt werden sowie performative Momente innehaben. Die Fotografien greifen in den Raum ein und ermöglichen einen fließenden Übergang von Zwei- zu Dreidimensionalität. Die Ausstellung lädt einerseits zum Entdecken ein und spielt andererseits mit Imaginationen wie auch Assoziationen. Die Besucher*innen sind dazu eingeladen, den bespielten Raum zu erkunden und sich einen Weg zu bahnen, der durch die eigene Wahrnehmung und Bewegung neue Sichtweisen eröffnet. Die Intention dabei ist es, einen Raum zu erzeugen, der die Grenzen unserer Wahrnehmung hinterfragt.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation, die ein Interview, das wir mit der österreichischen Kunsthistorikerin und Kultur-Managerin Paula Marschalek geführt haben, Ansichten unserer Werke und Installationsansichten der Raumcollage umfasst.
Im ausführlichen Gespräch mit Paula Marschalek sprechen wir über unsere künstlerischen Praxen als eigenständigen Künstlerinnen, unsere Zusammenarbeit sowie das Austellungsprojekt "Es ist schon vorgekommen, dass Flugzeuge auf dem Rücken flogen, als sie wieder aus den Wolken hervorkamen."
Die Publikationspräsentation findet im Rahmen der Finissage am 31.7. um 19.30h statt.

Auf Les Nouveaux Riches gibt es als kleinen Vorgeschmack einen Auszug des Interviews, das wir mit Paula Marschalek zur Ausstellung geführt haben.

Andreas Karner & Christian Macketanz

Andreas Karner & Christian Macketanz

Die Ausstellung „HierBetween“ bündelt die surreale Kraft zweier Künstlerpersönlichkeiten in einem Dialog von Malerei und Zeichnung. Christian Macketanz und Andreas Karner leben seit Jahren voneinander weit entfernt und dennoch ist die seit ihrem Studium bei Maria Lassnig erworbene geistige Verbundenheit spürbar. Gemeinsam ist ihren Arbeiten die Fähigkeit inhaltliche und formale Gegensätze in neuen traumartigen Konstellationen zu vereinen und so differenzierte Assoziationen auszulösen.

Eröffnung: Dienstag 13. Juli 2021, 19 Uhr
Ausstellungsdauer: 14.7. – 23.7.2021

geöffnet jeweils MI, DO, FR 14-18 Uhr

Oder nach telefonischer Vereinbarung: 0043-(0)664-73816086 (Andreas Karner)

Zu der Ausstellung schreibt Lutz Winckelmann, März 2020:

„“Weißt DU, was Dein Vater nicht wußte?“
steht in der Sprechblase einer mageren Raubkatze, die mit optimistischer Kraft einen ebenso dürren Ast im Nirgendwo erklimmt. Diese Zeichnung von Andreas Karner spricht eine unbeantwortete Frage aus, die sich unter vielen anderen zwischen den Zeilen seiner und den Arbeiten von Christian Macketanz stellen und verschiedene Antworten provozieren.
Während des gemeinsamen Studiums bei Maria Lassnig in Wien hat sich eine über all die Jahre dauernde innere Verbindung entwickelt, die sich auch in der bildnerischen Tätigkeit durch Gleichklang und paradoxerweise gleichzeitige Gegensätzlichkeit auszeichnet: Macketanz widmet sich vornehmlich der Malerei, während Karner sich hauptsächlich der Zeichnung bedient.
Inhaltlich geht es bei Beiden um das Zusammentreffen des Alltäglichen mit dem Übersinnlichen und Unterbewußten, wie umgekehrt allerdings auch: Um das metaphysische Träumen, das mitunter ins Groteske und/oder Komische kippt.
In diesem "HierBetween" entfaltet sich eine jeweils eigene, besser gesagt eigenwillige Bildsprache zwischen Athmosphäre und Nüchternheit, die zwischen Narration und surrealem Spiel angesiedelt ist.

Andreas KARNER
Geboren 1960 in Wien.
1983 - 1989 Studium und Diplom an der Hochschule f. Angewandte Kunst in Wien bei Prof. Maria Lassnig und Hubert Schmalix.
Gelegentliche Ausstellungstätigkeit, diverse Film- und Musikauftritte, einige (oft auch illustrierte) Textpublikationen.
Seit 1998 Lehrender an der Kunstuniversität Linz

Christian Macketanz
geboren in Eutin
1983 Studium bei Prof. Maria Lassnig an der HfaK, Wien
von 1983 bis 1994 in Wien
von 1995 bis 2001 in Rom
von 2001 bis 2010 in Berlin
seit 2010 in Dresden, Professur für Malerei an der HfBK Dresden

Skulpturale Prozesse

Skulpturale Prozesse

Ton als Medium

Eine Ausstellung der Studierenden der Technischen Universität Wien
Institut für Kunst und Gestaltung E264/2
Dreidimensionales Gestalten und Modellbau

Moritz Batz
Julian Bodner
Monika Georgieva
Christina Eva Sophie Haslauer
Chan Hyuk Kong
Theresa Kettner
Thomas Obermoser
Anna Theresa Pöll
Lena Roth
Jakob Schensky
Betreut von Fridolin Welte und Gregor Titze
21. bis 27. Juni 2021
Mi, Do, Fr, Sa 14:00–18:00

21. Juni  2021 von 16:00 – 20:00
Soft Opening

27. Juni 2021 von 16:00 – 20:00
Performance Steel Girls
Buchpräsentation „TonTonTon“

Die künstlerische Auseinandersetzung, die wir bei dieser Übung führten, begann am Bachlauf und in der Lehmgrube, führte über die Aufbereitung des Tons bis hin zur Entwicklung von Form und Gestalt. Mit geschlossenen Augen eine Hohlform entwickeln: erst in der Zeichnung, danach im Material Ton, tastend, fühlend, greifend, prüfend. Dann wieder sehend zu entdecken und vergleichen wie sehr Wunsch, Auge und Hand bekanntes hervorbringen und die Reduktion nur eines Sinnes dann doch ganz anderes entstehen lässt.

Jegliche Art von künstlerischem Umgang mit Ton erzeugt dreidimensionale Objekte, die in plastisch-weichem Zustand geformt, anschließend getrocknet und letztlich gebrannt werden können, um dauerhafte Festigkeit zu erlangen. Die Vielzahl der Aggregatszustände, die Ton auf dem Produktionsweg zur keramischen Skulptur durchläuft, die schwer kalkulierbaren Veränderungen durch Schrumpfung, Verlust der Oberflächenplastizität sowie Farbveränderungen, innere Spannungen und Bruchgefahr mit sich bringen, sind Unwägbarkeiten denen mit Geduld und feinem Gespür begegnet werden muss. Sie sind aber auch die Ansätze vorgefertigte Vorstellungen zur Form aufzubrechen und dem Material selbst eine Stimme zu geben.

Fridolin Welte



Herausgegeben von Peter Auer, Christian Kern, Marie Reichel, Fridolin Welte, Wien 2020

ISBN: 978-3-903172-75-3
216 Seiten, zahlreiche Abbildungen in Farbe, 23 cm x 17.5 cm

Welchen Stellenwert hat Ton in den zeitgenössischen bildenden Künsten? Dieser Frage gingen Studierende der Technischen Universität am Institut für Kunst und Gestaltung nach. Die Ergebnisse, die aus der Übung Künstlerisches Projekt X am Forschungsbereich Dreidimensionales Gestalten und Modellbau hervorgegangen sind, wurden gesammelt und werden nun in Form dieses Buches ausgestellt: Fotografien der Objekte sind kuratorisch im Buch-Raum platziert. Skizzen, Zeichnungen und Videostils der Arbeitsprozesse bilden zusammen mit den Ausstellungsobjekten ein großes Ganzes.

Texte unterschiedlicher Autor_innen ziehen wie kleine Veranstaltungen ihre Fäden durch die Ausstellung: Zur Vernissage gibt Christian Kern Einblick in die Abteilung des Universitätsinstituts, der Gastvortrag des Kermamikkustos Rainald Franz geht auf eine historische Reise, der Künstler Fridolin Welte erklärt Arbeitsprozesse in der Keramik und führt durch die Ausstellung, die Keramikkünstlerin Katie Cuddon erzählt von ihrer Arbeit mit dem Material in Form eines Alphabets und der Theoretiker Peter G. Auer verwebt die Thematik aus philosophischer Sicht mit künstlerischen Praktiken. Durchflochten mit aus den Arbeitsprozessen herausgegriffenen Textfragmenten der Studierenden begegnen sich Theorie und Praxis und kommunizieren in antithetischer Gemeinsamkeit.

Marie Reichel


Klang-Performance: Steel Girls

Metall wird von den Steel Girls zum Sprechen gebracht in sachlich schlichter Form, die Sinnlich- Poetisches ermöglicht. Das Rohe, das Widerstrebende und die Härte im Stahl wird durch das Biegsame konterkariert. Es geht nicht nur um den Reiz der Herstellung der selbstgeschweissten Instrumente sondern auch um die Herausforderung des Akustischen, das Ausreizen von akustischen Möglichkeiten mit und ohne Elektronik. Das Rohe wird geformt und nicht genormt, die Größenverhältnisse ins Licht gerückt sodass die Funken fliegen und Neues entstehen kann. Steel Girls schätzen Metall aufgrund seiner metaphorischen Qualitäten, wegen seiner Dauerhaftigkeit und seiner unscheinbaren Leichtigkeit im Klang. Die Schönheit von Metall, das die Musiker*innen auf Schrottplätzen oder in Hinterhöfen finden, wird neu formuliert in seiner Bedeutung und offenbart einen radikalen musikalischen Kontext, der sich mit der Erforschung neuer Materialen wie in diesem Fall Ton in neue Spähren schwingt.

Martina Claussen, Astrid Schwarz und Tobias Leibetseder sind Komponist*innen und Klangkünstler*innen, die in Wien beheimatet sind. Mit der Konstruktion selbstgeschweißter Stahlinstrumente entwickelten sie eine eigene Klangsprache, die sie beispielsweise im ZKM in Karlsruhe, bei der Ars Electronica in Linz, im rhiz oder der Alten Schmiede in Wien präsentierten. 2020 wurde aus dem Steel Girls Trio mit der Komponistin und Klangkünstlerin Martina Claussen ein Quartett, das manchmal immer noch als Trio in Erscheinung tritt.